«Pollock», de Ed Harris y «La importancia de llamarse Óscar Wilde», de Rupert Everett: la buena salud de las biografías de artistas con desigual fortuna.

 

Anatomía del malditismo y la celebridad: Pollock y Oscar Wilde entre el éxtasis del triunfo y la miseria de la marginalidad y la injusticia.

Título original: Pollock

Año: 2000

Duración: 122 min.

País: Estados Unidos

Dirección: Ed Harris

Guion: Barbara Turner, Susan J. Emshwiller (Novela: Steven Naifeh, Gregory White Smith)

Música: Jeff Beal

Fotografía: Lisa Rinzler

Reparto: Ed Harris, Marcia Gay Harden, Tom Bower, Jennifer Connelly, Bud Cort, John Heard, Val Kilmer, Robert Knott, David Leary, Amy Madigan, Sally Murphy, Molly Regan, Stephanie Seymour, Matthew Sussman, Jeffrey Tambor, Sada Thompson, Norbert Weisser.

Título original: The Happy Prince

Año: 2018

Duración: 104 min.

País: Unido Reino Unido

Dirección: Rupert Everett

Guion: Rupert Everett

Música: Gabriel Yared

Fotografía: John Conroy

Reparto: Rupert Everett, Colin Firth, Emily Watson, Tom Wilkinson, Colin Morgan, Anna Chancellor, Julian Wadham, Béatrice Dalle, Ronald Pickup, Joshua McGuire, Daniel Weyman, John Standing, Edwin Thomas, André Penvern, Tom Colley, Alexis Julemont, Ciro Petrone, Benjamin Voisin, Patrick Hannaway, Christian Tye, Riccardo Ciccarelli, Oliver Cater, Jean-Luc Bubert, Alister Cameron, Toby Sherborne, Antonio Spagnuolo, André Pasquasy, Sam Barrett, Giovanni Scotti, Franca Abategiovanni, Howard Perret, Christian Bronchart, Torren Simonsz, Laurent D'Elia.

Agrupo, por mor de no aburrir en exceso a los potenciales lectores de estas críticas, dos películas que comparten planteamiento y, hasta cierto punto, objetivo y métodos: se trata de dos empeños individuales de actores importantes, pero no «estrellas» de la galaxia cinematográfica, Ed Harris y Rupert Everett, que han aprovechado un parecido más o menos fiel a sus biografiados para representarlos en la pantalla. Son, ambos, proyectos que les ha llevado mucho tiempo y muchos esfuerzos económicos sacarlos adelante y, finalmente, se trata de dos artistas, Pollock y Wilde, de quienes se nos muestra con más énfasis su lado «oscuro» que una celebridad «cómoda» que apenas conocieron en vida. Brian Gilbert rodó un Wilde, con protagonismo espectacular de Stephen Fry, el homosexual con SIDA de Los amigos de Peter, de Kenneth Branagh, en 1997, pero hay un abismo entre aquella visión colorista y hasta bienhumorada de Wilde y el retrato en tenebroso claroscuro que rueda Everett de los últimos años del ingenioso y represaliado autor de La importancia de llamarse Ernesto, El retrato de Dorian Gray o el cuento El príncipe feliz que da título a la versión original y que tiene una función narrativa estructural dentro de la trama, porque la narración del cuento a sus hijos se encadena con la narración a dos pícaros de los bajos fondos parisinos con quienes se relaciona Wilde en sus miserables postrimerías, cuando se presentaba bajo el pseudónimo de Sebastián Melmoth. He de reconocer que la película de Everett no tiene recato alguno en presentarnos la delicada situación de empobrecimiento de Wilde, ni tampoco la feliz inconsciencia de un personaje muy distante del de sus mejores épocas, pero exactamente idéntico en lo esencial: la fidelidad a su magnifico espíritu de libertad y la firme convicción de su superioridad intelectual. Todo ello lo sigue el espectador, con un ir y venir del amante que le causó la ruina y lo llevó a la cárcel, donde pasó dos años de trabajos forzados que minaron su salud. La película, con una actuación magistral de Everett, en quien vemos a Wilde con toda la crudeza de su última situación, se recrea no solo en la miseria parisina en la que sobrevive como puede, gracias a las ayudas de sus amigos protectores, sino también en esa suerte de «canto del cisne» que constituyó la aventura en Nápoles con lord Alfred Douglas, un tramo de la película realmente muy meritorio, por la ambientación y por el tono crepuscular de una relación sitiada por las amenazas de privar a ambos amantes de los fondos imprescindibles para poder sobrevivir en un estado de irresponsabilidad total. Es cierto, no lo niego, que la presentación de los personajes despistará a los espectadores no familiarizados con la vida de Wilde, pero no es menos cierto que deben de ser pocos a los que tal cosa ocurra, no solo por la película anterior, Wilde, sino porque se trata de un autor muy conocido, representado y estudiado. En todo caso, el retrato del autor, ajustadísimo a la biografía real del artista, supone una revisión de su biografía para centrarse en esos terribles momentos de la privación, el abandono y el olvido. El patetismo de no pocas escenas de la película golpea la conciencia de los espectadores y nos recuerda la fragilidad de la celebridad y la gloria artística si enfrentadas a los prejuicios sociales y a los estándares de vida represivos que le tocó vivir al autor. Con todo, la película permite enfrentarse a la lectura de su obra con una perspectiva insólita. Ahora mismo, por ejemplo, está en la cartelera de Barcelona una adaptación de The Importance of Being Earnest, A Trivial Comedy for Serious People, La importància de ser Frank, en catalán, que supuso el fin de su brillante carrera dramatúrgica al ser condenado, pocos meses después, a dos años de prisión. La película de Everett, insisto, se ve con tanto interés como tristeza, y en modo alguno excluye la propia caricatura de sí mismo en que el propio Wilde convirtió el final de su vida, aun a pesar de haber mantenido intacta la llama de la pasión por su joven amante, cuyo destino fue tan miserable como su traición a Wilde merecía. De sobra está decir que la tradición británica en la ambientación, el vestuario y, por supuesto, la interpretación, tiene en esta película un nuevo ejemplo de esa categoría confirmada en tantas y tantas películas y series televisivas, un marchamo de calidad que nos permite seguir el desarrollo de la historia con total admiración a la misma.

Pollock, por su parte, también perfectamente ambientada en los años finales de los 40 y principios de los 50, tanto en Nueva York como luego en el pequeño pueblo de las afueras de la metrópolis donde el matrimonio se aparta del mundo para que el pintor pueda centrarse en su arte sin los riesgos de sucumbir a sui tendencia al alcoholismo de la que, sin embargo, una vez conseguido el triunfo y haber roto la convivencia con su mujer, no logrará librarse, hasta convertirse en la causa de su temprana muerte. Estamos, pues, ante otro caso de «malditismo» que tiene mas que ver con la fragilidad psicológica del pintor, el peor enemigo de sí mismo, que con la fatalidad o la incomprensión.

Ed Harris levanta el retrato de un ser problemático que combina a partes iguales la seguridad en sí mismo y la convicción de que nunca llegará a ser reconocido, máxime en un mercado como el del arte siempre expuesto a caprichos que, a menudo, tienen poco que ver con la calidad intrínseca de las obras. La suerte de Pollock fue que la también pintora Lee Krasner se cruzara en su camino y se convenciera de su «genialidad», por la que renuncio a su propia carrera para que no se frustrara la de él, por la que batalló con un ahínco que tuvo la recompensa de ver cómo se convertía, cuando reinvento la técnica de la pintura por aspersión, goteo o dripping, en el primer pintor usamericano con la bendición de la mecenas Peggy Guggenheim.

A diferencia de lo que ocurre con los escritores, cuya actividad «da tan mal en pantalla», una película sobre un pintor, como en este caso la de Harris sobre Pollock permite la recreación de una técnica y una manera de hacer que, visualmente, tiene una espectacularidad deslumbrante. No hay más que seguir con atención la elaboración del documental sobre él y su técnica, una suerte de relato metacinematográfico incrustado en la película con un acierto total, porque vehicula una reflexión sobre la creación y el momento mágico de su concreción que choca con la técnica cinematográfica, un arte más próximo a la reelaboración y el retoque que a la creación espontánea.

En todo caso, no hemos de olvidar que estamos en presencia de una biografía y que, más allá de la obra, lo fundamental es explicarnos el comportamiento errático, a veces violento e incluso incomprensible, de una persona que, sin la ayuda de su mujer, probablemente hubiera acabado llevando una vida de marginación y miseria, dada su tendencia a dejarse atrapar por el alcoholismo que aborta cualquier esfuerzo creativo. La película solo mereció un Oscar para la actriz Marcia Gay Harden, porque el de mejor actor se lo llevó, incomprensiblemente, Russell Crowe por Gladiator, de Ridley Scott.

Contemplar una trayectoria vital que va desde la marginación hasta el triunfo, aunque fuera más por la perseverancia de su mujer que por la propia, encaja totalmente en el espíritu usamericano del self made man y corrobora uno de los principales rasgos genéricos de las películas biográficas sobre artistas. He de reconocer que los cuadros iniciales de Pollock, herederos del cubismo de Picasso y del surrealismo, son bastante mediocres, y costaba intuir en ellos lo que Lee Krasner intuyó que podía llegar a haber, tal y como se demuestra cuando, por vía metafórica, el goteo de una taza volcada acaba sugiriéndole al autor el desarrollo de una técnica que llevada a su más feliz expresión consiguió cuadros auténticamente únicos, maravillosos y de una originalidad indiscutible.

La lucha de Krasner por que Pollock se dedicara a su arte, a pesar de la precaria situación en la que se encuentran, aunque nunca les faltara la asignación modesta que les facilito la millonaria Guggenheim, centra  buena parte de la película, y ello incluye la tensión matrimonial con la que tiene que lidiar sobre todo cuando su marido alcanza la celebridad. De hecho, incluso después de haberse separado, poco antes de que él fallezca en un accidente de coche por conducir en estado de embriaguez, a Pollock no le duelen prendas en reconocer la importancia de su mujer en el éxito alcanzado por su obra. La película nos ofrece un recorrido vital que incluye una suerte de decadencia final, cuando el pintor se sobrevive a sí mismo como un pálido reflejo desorientado de lo que, en su momento, junto a Krasner, fue un verdadero artista. La adaptación fisiológica, un cambio de esos que tanto les gusta a los académicos del cine usamericano, no bastó para depararle la estatuilla que sí consiguió De Niro con Toro salvaje, de Scorsese, en su momento.

Resulta deprimente la imagen de artista acomodado que ha renunciado a seguir explorando los caminos de la creación, pero esa estampa de decadencia es consustancial a la separación de quien lo empujó hacia la consecución de sus logros artísticos. De igual modo que algunas biografías incluyen los dos nombres de la pareja, en esta de Pollock qué duda cabe que el nombre de Lee Krasner debería de haber figurado en el título de la misma, dado el papel de motor sine qua non que juega en la vida de su marido.

Un artista, por definición, es un ser egocéntrico, y ha de entenderse que no se ajuste a los esquemas sociales o familiares del común de los mortales, y que ni siquiera quien comparta su intimidad está exenta de padecer la incomprensión más absoluta o la indiferencia más terrible. Quien vive solo para sí y solo se apoya en los demás como un trampolín que lo vuelve a reunir consigo mismo en el aislamiento de una personalidad compleja e ingrata por naturaleza es, también por definición, un ser injusto, pero que no puede ser de otra manera, porque su mundo, por grande que sea, se acaba en la reducida extensión de su propio cuerpo y de su autosuficiencia orgullosa. Pollock, como buen artista esclavo de su visión, solo se guía por sus caprichos e inclinaciones, aunque, en los momentos de lucidez reconozca que por sí mismo no vale nada o sea incapaz de cualquier gesta, si no es propiciada por quienes han de «sufrirlo» con la generosidad que es, para él, un valor incomprensible.

Decía al principio que estos dos artistas de finales patéticos tenían más en común de lo que a simple vista parecía. Espero haberlo demostrado, así como mi admiración por dos realizaciones comprometidas con el verdadero espíritu de la creación artística. Un magnifico programa doble. O triple, si incluyéramos Historia de un crimen, de Douglas McGrath, sobre cómo Truman Capote, junto con Harper Lee, su amiga y creadora del clásico Matar a un  ruiseñor, llevada a la pantalla con el mismo título por Robert Mulligan, investigan los sucesos que dieron lugar al género entre el reportaje y la novela que supuso A sangre fría. El retrato de Truman Capote, excepcionalmente interpretado por Tobey Jones, su vivo retrato, forma parte de ese grupo selecto de películas biográficas que han supuesto una revitalización de un género tradicional en la Historia del cine desde el Napoleón, de Abel Gance o La pasión de Juana de Arco, de Dreyer, entre otras.

«El último de la lista», de John Huston o el derecho al «divertimento»

Del Who is who? a Who is the murder? en un thriller/comedia, muy discreto pero encantador, de un director de otros altos vuelos. 

Título original: The List of Adrian Messenger

Año: 1963

Duración: 98 min.

País: Estados Unidos

Dirección: John Huston

Guion: Anthony Veiller (Novela: Philip MacDonald)

Música: Jerry Goldsmith

Fotografía: Joseph MacDonald (B&W)

Maquillaje: Bud Westmore

Reparto: George C. Scott, Kirk Douglas, Jacques Roux, Dana Wynter, Clive Brook, Gladys Cooper, Herbert Marshall, Marcel Dalio, Tony Curtis, Burt Lancaster, Robert Mitchum, Frank Sinatra, John Merivale.

No me he resistido a añadir «maquillaje» a la ficha de la película, porque si hay alguna en la que dicho maquillaje sea un elemento fundamental, esta es El último de la lista, sin duda. Bud Westmore fue uno de los grandes de dicho arte, y a él se deben películas clásicas como Matar a un  ruiseñor, de Mulligan, La criatura de la Laguna Negra, de Arnold  o el mismísimo Espartaco, de Kubrick. Estamos ante una película de detectives en la que el protagonismo lo lleva el criminal, siempre un paso por delante de quien sigue los suyos con notable despiste. Planteado como una lista de la que van desapareciendo los sospechosos que pueden identificar al asesino, la película basa todo su encanto en la creación de personajes cuyos maquillajes esconden a célebres actores que se prestaron al juego que le se le planteaba al público: descubrir quiénes eran bajo las acabadas máscaras que los vuelven irreconocibles salvo al principal de todos ellos, el asesino, Kirk Douglas, al que se le reconoce en su primera personificación como sacerdote, del mismo modo que se le sigue reconociendo en las siguientes que adopta para cometer los crímenes que le despejen el camino hacia el apoderamiento de una gran fortuna cuando se haya deshecho del legítimo propietario que se interpone entre él y su anhelado objeto.

         Sí, estamos ante una trama muy propia de Agatha Christie y ante una realización que bien puede decirse que intenta emular las de Sir Alfred, y he de decir que en todo lo que afecta a la planificación de las tomas, a la puesta en escena, a la interpretación y a la socarronería propia del humor de don Alfredo, la película no desmerece en modo alguno, pongamos por caso, de Pero… ¿quién mató a Harry?, aunque en esta de Huston se presta mucha menos atención al propio desarrollo de la trama y sí mucha a la perfección de los encubrimientos de los actores famosos a través del maquillaje. La promoción publicitaria de la película no se basaba en la intriga acerca del asesino, al que se señala desde el comienzo de la misma inequívocamente, sino en el juego de ocultación del maquillaje, de ahí el epílogo final que pretendía sorprender a los confundidos espectadores, cuando los actores se quitan el maquillaje ante la cámara, con la intención de provocar el ¡Oh! admirativo y el aplauso correspondiente.

         Como la trama tiene que ver con la nobleza terrateniente británica, ya en plena decadencia, salvo el caso de las grandes fortunas, no son pocas las andanadas contra los usos elitistas, clasistas, de esa clase que gobernó un imperio y que acabó permitiendo la visita turística de las mansiones para poder mantenerlas decorosamente. Parte sustancial de la película, porque tiene mucho que ver con la intriga, con el mínimo suspense que se le ha de exigir a una película de crímenes y detectives, es la dedicada a la caza del zorro, un auténtico ritual de clase que se observa escrupulosamente. Lo que sorprende, con todo, es la inusual presencia, a las afueras de la mansión, de una manifestante que protesta contra la salvaje práctica de dicha cacería del zorro, adelantándose muchos años a las protestas masivas que finalmente lograron la prohibición de dicha cacería ¡en 2005!, bajo el mandato de Tony Blair.

         La película gana mucho en las escenas de la caza, con las cabalgadas majestuosas de los jinetes que persiguen a la jauría de perros que acechan al zorro, y en ese seguimiento hallamos, junto con la belleza de los paisajes, uno de los más hermosos alicientes de la película.

         ¿Qué hay de John Huston en ella? Una dirección de actores encomiable, un uso del blanco y negro que retrotrae la película a los mejores momentos de los años 50, cuando esta fue rodada en 1963, y una puesta en escena que le da todo su sentido. La demorada investigación que siempre llega tarde permite que vayan «cayendo» nombres de la lista que sirve al detective. Un espléndido George C. Scott, con unos primeros planos de espectacular calidad cinematográfica, así como la presencia de actores «clásicos», como Herbert Marshall, permiten que el espectador entre de lleno en el juego de la investigación y, sobre todo, en el de si el protagonista será capaz de hacerse o no con la fortuna que está destinada al heredero de la vieja familia.

         Son muy dispares las reacciones críticas ante una película como la presente, y van desde el rechazo absoluto a una mascarada de cameos que no tiene ningún interés, hasta la admiración hacia un director que incluso en películas menores como la presente supo imprimir su sello personal y hacer que remontara el vuelo a pesar de un planteamiento inicial con escaso interés narrativo. No la había visto antes, y he de confesar que he pasado un rato bien entretenido, sin más. A veces, las películas, en un arte con niveles de interés y calidad tan abismales, no obedecen más que al espíritu lúdico de quien rodó en los inicios del arte, la escena de la manguera pisada… Está claro que dentro de la filmografía de John Huston esta película ocupa un lugar menor, dadas las otras cumbres del autor, como La reina de África, El halcón maltés o Los muertos, pero aunque solo sea por las interpretaciones de Kirk Douglas y de George C. Scott, ya merece la pena pasarse una divertida parte de la sobremesa viéndola.

«Flint, agente secreto», de Daniel Mann. Una parodia usamericana de Bond de sorprendente actualidad.

Excelente traducción, vía remedo paródico, del inefable 007 con una actualidad que llamará la atención de cualquier espectador. Divertida hasta el final.

Título original:  Our Man Flint

Año: 1966

Duración: 108 min.

País: Estados Unidos

Dirección: Daniel Mann

Guion: Hal Fimberg, Ben Starr (Argumento: Hal Fimberg)

Música: Jerry Goldsmith

Fotografía: Daniel L. Fapp

Reparto: James Coburn, Lee J. Cobb, Gila Golan, Edward Mulhare, Sigrid Valdis, Rhys Williams, Joe Gray, Bill White Jr..

De nuevo sobre el tapiz rodante, me encuentro con una película dirigida por Daniel Mann, interesante director de La rosa tatuada, La mujer marcada o la impresionante La revolución de las ratas, que me dejó clavadito en la butaca cuando la vi, bien jovencito, en un cine de La Gran Vía madrileña. Flint, agente secreto, es, desde su propio cartel anunciador, una inequívoca parodia de las películas del agente 007, una serie inaugurada en 1962 con Dr.No. Como es de esperar, una parodia implica necesariamente una visión crítica de las aventuras de 007, pero, al mismo tiempo, una copia quintaesenciada de sus planteamientos, decorados, vestuario, tics de interpretación, diálogos, etc., todo lo cual se nos ofrece en Flint con abundante generosidad. La presencia de James Coburn, de excelente planta bondesca, es ya una garantía de éxito para sintonizar con una actuación que nos depara sorpresa tras sorpresa con la elegancia propia del mismísimo Bond y con un repertorio de adminículos que harán las delicias de los aficionados a la serie, a buen seguro quienes más disfrutarán con esta parodia, porque solo los «especialistas» en la serie captarán todos los mensajes cifrados que la parodia le hace llegar al espectador. No soy muy amigo de la serie, ni tengo esa fiebre «bondiana» por una serie que me deja bastante frío, aunque reconozco habérmelo pasado bien con algunas de ellas, sobre todo cuando Sean Connery era el encargado de darle vida. Los demás siempre me han parecido pálidos reflejos de su interpretación, y Craig algo así como el antibond… ¿Cuál es la particularidad que hace de esta película un film actualísimo e invita a verla sin demora? Pues como se anuncia inmediatamente después de los títulos de crédito -en ellos se inicia la parodia, atentos…- no le chafo nada a quien esté dispuesto a divertirse moderadamente con esa película delirante si le digo que es el cambio climático el arma de que se valen «los malos» para desafiar a las naciones con la amenaza de sepultarlas en el caos e incluso en la desaparición, si no se rinden a sus exigencias, que incluye, entre otras cosas llamativas, la destrucción de todos los arsenales nucleares, porque el trío de científicos que ha logrado el dominio del cambio climático como suprema arma busca, a través de esa amenaza, la creación de una sociedad mejor, propiamente una sociedad del ocio pero gobernada por ellos. Si Coburn da el tipazo para encarnar a Flint, el agente secreto deseado por todas las naciones para librarlos de la amenaza de esos científicos locos, Lee J.Cobb le da magníficamente la réplica como superior jerárquico que actúa con «línea directa» con el Presidente de Usamérica.  Una vez que el agente acepta el encargo, aunque se muestra reticente a hacerlo, porque su «jefe» quiere manejarlo a su antojo y no dejarle el espacio de libertad que él necesita para resolver los encargos, Flint desplegará ante nuestros ojos divertidos una panoplia de recursos que nos mantendrán la sonrisa a lo largo de la película. No faltará ninguno de los ingredientes de las películas de Bond, como tampoco una incursión en referentes clásicos como Un mundo feliz, a juzgar por la sociedad hedonista que han creado en la isla que sirve de refugio y centro de operaciones científicas para quienes articulan el cambio climático cuyas señales en la película coinciden -¡fue rodada en 1966!- con todo lo que estamos viendo como desastres “naturales” en este siglo XXI, producto de ese cambio climático que en la película responde a una manipulación humana directa. Siquiera sea por esta coincidencia curiosa, yo acabé enganchado a la película a lo largo de su metraje, y me lo pasé la mar de bien, no solo porque, incluso cojitranco, corría por debajo de los 6’30”, sino, principalmente, porque la película, a diferencia de la parodia ideada por Woody Allen, Casino Royale, rodada en 1967, después de la presente,  Flint, agente secreto, tiene un trama clásica que no se desvía hacia disparates absurdos -más allá de los muchos que contiene la propia trama de la película, perfectamente desarrollada, eso sí-, sino que se ciñe a la curiosa aventura humanista de los científicos que se valen de su ciencia para crear un control del «saco de los vientos» que les permita establecer su civilización del ocio con las mujeres como «unidades de placer» de los hombres, por supuesto. En tanto que parodia, hay una potente dosis de ambigüedad respecto del machismo propio de la serie de Bond, porque el protagonista combina ambas facetas, la misoginia y la ginofilia casi a partes iguales. En fin, tampoco es una película que se haya de tomar en serio más allá de sus estrictos valores paródicos, que son los que le dan sentido y permiten la diversión de los espectadores. Ahí la tienen, una de esas curiosidades que se relacionan directamente con nuestro presente, a más de medio siglo de distancia. Ni siquiera me paro a revelar el rosario de detalles que alegrarán el visionado de cada cual, pero no es de los más flojos el detallito de un águila entrenada para detectar usamericanos y atacarles… en la isla de los científicos locos.

«Extraña ilusión», de Edgar G. Ulmer, un thriller onírico.

La mejor serie B de un director A: Extraña ilusión o entre la premonición de Hamlet y los recursos de Tintín…

Título original:  Strange Illusion

Año: 1945

Duración: 87 min.

País: Estados Unidos

Dirección: Edgar G. Ulmer

Guion: Adele Comandini (Historia: Fritz Rotter)

Música: Leo Erdody

Fotografía: Philip Tannura, Benjamin H. Kline, Eugen Schüfftan

Reparto: Jimmy Lydon, Warren William, Sally Eilers, Regis Toomey, Charles Arnt, George Reed, Jayne Hazard.

Arrancar una película con un sueño premonitorio, como ocurre en Extraña ilusión, da fe de la vigencia que tuvo el psicoanálisis en la sociedad usamericana y de cómo dichas teorías influyeron lo suyo en no pocas películas, algunas tan extraordinarias como Recuerda, de don  Alfredo, en colaboración con un surrealista como Dalí, quienes aparecieron en el mundo del arte como verdaderos abanderados de la revolución freudiana, devolviéndoles a los sueños el papel cardinal que han tenido siempre, Nabucodonosor…, en la Historia de la Humanidad.

Edgar G. Ulmer es autor de Detour, (El desvío), una auténtica joya rodada en una semana y con un presupuesto raquítico, 20.000$, lo que obligó a usar el coche del propio director, entre otros ahorros. Ann Savage, la soez femme fatale de la película marca un ante y un después en ese tipo de personajes, desde luego, y su sola actuación merece un visionado urgente de la película, que no defraudará a nadie aficionado al thriller psicológico. Para Extraña Ilusión se advierte el uso de un presupuesto algo mayor, pero tampoco tanto que permita «exhibiciones» de serie A. Ulmer plantea una trama basada en el Hamlet de Shakespeare que aquí tiene un protagonista, a mi entender, más cerca de Tintín, que del príncipe danés.

El protagonista, hijo de un juez muerto en un accidente, tiene intensas pesadillas que adquieren un sesgo premonitorio cuando, al volver a casa, descubre que su madre ha iniciado una relación con un hombre por quien el joven siente una instintiva aversión, la cual se intensifica cuando ve que le ha regalado un brazalete idéntico al que él ha visto en sus pesadillas. Lo cierto es que la película presenta un serio problema de casting, al elegir a un auténtico «villano» como Warren William, el primer Perry Mason, por cierto…, que parece llevar escrito en el rostro su condición. Tan es así, que la película no tarda en mostrárnoslo a las órdenes de un psiquiatra que quiere vengarse no solo del juez, sino de toda la familia, para lo cual escoge a un heredípeta reconocido a quien le exige que consume cuanto antes la boda con la viuda.

Tras un desvanecimiento del joven protagonista, al oír en labios de la nueva pareja de su madre las palabras que él ha oído en sus reiteradas pesadillas, el joven consigue convencer a su tío, médico de la familia, que esa boda inminente es el presagio de un mal cierto para todos. Como el psiquiatra, a quien el novio introduce en la familia, insiste en llevar al joven a su clínica para tratar de descubrir el origen de su frágil condición psíquica, este, de acuerdo con su tío, decide internarse, como «invitado», no como «paciente», de modo que pueda seguir investigando para ver si es capaz de descubrir algo de valor para desenmascarar al pretendiente de su madre.

La película, así pues, más allá del eco chespiriano, se va convirtiendo, poco a poco, en una película detectivesca en la que la sólida interpretación juvenil y desenfadada del hijo nos recuerda, como dije a principio, al intrépido Tintín, sin Milú. Verlo evolucionar por el recinto «blindado» del sanatorio, descubriendo implicaciones reveladoras, que no tarda en poner en conocimiento de su tío, quien, a su vez, se pone en contacto con el Fiscal para investigar tanto al heredípeta como al inesperado psiquiatra que ha aparecido en la trama, es recordar inmediatamente al joven detective de Hergé, atento a cualquier detalle que le permita llegar a conclusiones válidas. A ese respecto, es curioso el modo como descubre enseguida que el espejo de la habitación es un falso espejo que permite la visión desde una habitación contigua, gracias a la estrategia de colgar la chaqueta en él, impidiéndole al psiquiatra el seguimiento de sus pasos.

He de reconocer, sí, que, salvo algunos momentos en que la maldad pura insinúa la inminencia de su malvada aparición para acabar con los dos hermanos, la película discurre dentro de una lógica investigadora que va poco a poco atando cabos para llegar a las conclusiones que se le ofrecieron claramente al espectador a mitad de la película, tras la cruda entrevista de los dos delincuentes. El principal aliciente, así pues, es cómo el método de investigación va produciendo las evidencias que permitirán estrechar el cerco sobre los malvados. Mientras, a lo largo del metraje, no han sido pocas las escenas en las que, como la de la mirada lasciva del pretendiente a la hija en la piscina, han servido para ir construyendo el fondo oscuro del personaje ante, eso también hay que reconocerlo, la excesiva ingenuidad de la madre, que se deja arrastrar por la admiración de quien solo para ella es algo así como un perfecto caballero.

La película fluye con perfecta naturalidad y bien puede decirse que no hay escena que no esté al servicio de la trama. Ulmer rueda con elegancia la vida de una familia de clase alta y, aunque rodada básicamente en interiores, la inevitable persecución automovilística añade un dinamismo a la resolución de la trama que permite mantener la tensión hasta el último momento. Como no puede ser de otra manera, toda la película sirve para que, en el desenlace, un nuevo sueño inducido por el golpe que sufre el hijo, se resuelva la pesadilla en un sueño «dulce» y reparador.

Insisto, no es la octava maravilla del mundo, pero Edgar G. Ulmer es un cineasta con una expresión propia que se consolidó en colaboraciones en Alemania con Lang y Murnau, entre otros. La mala suerte de hacerle la corte a la mujer de un productor famoso acabó marginándolo del gran circuito de la serie A, pero desde la B filmó obras que, como Detour o Ruthless (Traición) le han granjeado un lugar de honor en la lista de directores imprescindibles.

«Obsesión», de Edward Dmytryk, o la explosiva mezcla de los celos y la inteligencia.

Una visión muy particular sobre la teoría del crimen perfecto: Obsesión o la vanidosa ebriedad de la superioridad mental.

Título original: Obsession (The Hidden Room)

Año: 1949

Duración: 96 min.

País: Reino Unido

Dirección: Edward Dmytryk

Guion: Alec Coppel (Novela: Alec Coppel)

Música: Nino Rota

Fotografía: C.M. Pennington-Richards (B&W)

Reparto: Robert Newton, Phil Brown, Sally Gray, Naunton Wayne, Olga Lindo, Betty Cooper, James Harcourt, Michael Balfour, Ronald Adam, Roddy Hughes, Allan Jeayes, Russell Waters, Lyonel Watts, Sam Kydd, Stanley Baker.

         Cuando Edward Dmytryk huyó a Inglaterra durante la caza de brujas, después de haber delatado a antiguos compañeros comunistas, poniendo tierra de por medio con una situación tan difícil para tanta gente, rodó en Inglaterra una película cuya existencia desconocía hasta que la descubrí en esas exploraciones que suelo hacer en la cinta de correr en el gimnasio, y he de reconocer que me causó una impresión estupenda, no solo porque es un tipo de cine que mezcla el thriller con el análisis de las pasiones, sino porque, más allá de pretender ser uno de esos ejemplos de película de «crimen perfecto», como las hay de «atracos perfectos» o de «evasiones carcelarias perfectas», hay un planteamiento perverso que está además tratado con un humor muy británico y sutil que gustará a cuantos la vean.

Hay una conexión sutil entre la presente película y El coleccionista, de William Wyler, y también, en cierta manera, con Crimen perfecto, de Hitchcock,   pero eso es mejor que lo descubra el espectador por sí mismo, pues podrá recordar algunas otras que cubren ese espectro de películas entre las que incluso tendría cabida An Inspector Calls, de Guy Hamilton.

La película arranca en un típico club británico solo para hombres en el que varios contertulios disertan con esa facilidad de dichos miembros para la charla ociosa. Cuando otro miembro del club se va, uno de los contertulios vigila estrechamente que quien se prepara para irse no se confunda de abrigo a la hora de escogerlo, lo cual nos sobresalta, más aún cuando nada sucede y ese mismo contertulio toma la decisión de retirarse y la cámara enfoca mediante un zoom calculado el ignoto contenido del bolsillo del abrigo que, ahora sí, escogerá su dueño para marcharse. Planteada ya la intriga tan sabiamente, el resto de la película va a discurrir, sin embargo, con cierta placidez, por lo que a los sustos imprevistos se refiere, aunque con un crescendo muy medido, tanto que nos lleva hasta el final de una manera tan enlazada y casi sin sobresaltos que incluso nos parece que no es tan terrible la situación angustiosa que vive el personaje del amante.

Ah, salió la palabra que define la patología del protagonista: los celos de su hermosísima mujer, con quien, se ignora por qué -¡acaso la terrible frialdad británica tópica!-, no ha sabido construir un matrimonio que no implique, primero el distanciamiento de los cónyuges y, después, una cierta vida licenciosa de la esposa que, por lo que se insinúa en el guion, tampoco se diría que constituye una suerte de rosario de adulterios a espaldas del marido.

Decidido, pues, a establecer la verdadera jerarquía en el hogar, el macho inteligente que domina desde una posición de poder la situación de su esposa, decide torturarla de una manera refinada, mediante la desaparición de su amante, ¡un joven usamericano, para más INRI!, de la que dan noticia los diarios a los pocos días.

Secuestrado por el doctor en un edificio destruido sin duda por la guerra y abandonado, el joven está atado con una cadena con un radio de acción perfectamente delimitado por una raya blanca que marca el límite hasta el que el doctor -sí, hablamos de un doctor maléfico, ¡otro más!, que planea una desaparición ¡científica! del amante para no dejar rastro de su existencia- puede acercarse para dejarle el alimento y la bebida que lo mantienen con vida. La relación entre captor y cautivo es uno de los dos ejes básicos de la película. El otro es, y quizás me adelanto algo, la relación entre el detective de Scotland Yard y el protagonista, una auténtica delicia para los enamorados de la sutileza inglesa en el floreo verbal.

¿Por qué aparece el inspector? Pues porque el perro de la familia se escapa del lazo de la correa de la mujer y acaba llegando, por el olor del marido, hasta el escondite donde tiene secuestrado al amante. Y ahí mantienen ambos la primera lucha: por la posesión del perro, que acaba siéndolo del cautivo, para desazón del doctor, quien no ve más remedio que sacrificar al perro en aras de su plan, para culminarlo con éxito y garantizarle a su mujer la supremacía del intelecto -que ella no parece saber apreciar- frente a la belleza, la de su mujer, arma tan seductora.

La aparición de Scotland Yard le da todo un giro a la trama y, a partir de entonces, el doctor ve esa intrusión como un nuevo reto que se añade al ya trazado de antemano: vengarse de su mujer con la desaparición del amante. Poco a poco, el doctor cae en una espiral de autosuficiencia que lo lleva a no calcular adecuadamente ni los riesgos ni los pasos en falso que pueda dar.

Es obvio que no puedo desentrañar nada de la trama, porque sería aguársela a los futuros espectadores que espero y deseo que tenga esta estupenda película, en la que, tal vez, se echa mucho de menos la figura de Dirk Bogarde como protagonista, y no porque Robert Newton no dé el papel con un rigor y un desempeño estupendos, sino porque durante toda la película no dejé de verlo a él para ese papel. Manías de crítico, imagino. En todo caso, el reparto está hiperajustado a cada personaje y el tono general es espléndido. Como se trata, además, de una obra con muy pocos personajes, todos ellos saben crear el suyo de tal manera que la acción se beneficia enormemente de esa compenetración entre todos ellos.

Decía que no quería cometer ningún desliz a la hora de no revelar la trama, pero no me resisto, por parte del inspector a reseñar el modo como es capaz de inferir que el secuestrado usamericano aún está vivo, de momento: porque, paseando por el parque oye a tres marineros usamericanos hablando entre ellos y percibe que uno a otro lo llama pal, «colega, camarada» en inglés, un uso que le extrañó en el vocabulario del británico doctor, razón por la cual solo podría habérsele pegado de un trato continuado con el amante de la esposa.

Sí, sí, ahí lo dejo, ¡faltaba más! Hay un buen número de escenas que hará disfrutar a los amantes del cine de detectives, y esta es una película que, en ese aspecto, no les va a defraudar. Empeño mi palabra.

«Custodia compartida», de Xavier Legrand, la realidad en estado bruto.

El drama de la separación y el uso de los hijos como ariete para la venganza o la ceguera de la Justicia ante situaciones explosivas.

Título original: Jusqu'à la garde

Año:2017

Duración: 93 min.

País: Francia

Dirección: Xavier Legrand

Guion: Xavier Legrand

Fotografía: Nathalie Durand

Reparto: Denis Menochet, Léa Drucker, Thomas Gioria, Mathilde Auneveux, Saadia Bentaïeb, Jean-Marie Winling, Martine Vandeville, Florence Janas, Jenny Bellay.

Existe un cine realista, fronterizo, en cierto modo, con el afán documental, por su amor a la veracidad y al relato objetivo, que nos ofrece películas que, despojadas de cualquier esteticismo o complicación narrativa, son como una pedrada en la frente que nos avisa de la crudeza de ciertas situaciones en las que jamás nos quisiéramos ver, como la de la presente historia: un matrimonio que acude ante la jueza que ve su caso porque el padre reclama, tras la huida de su mujer con sus dos hijos, el derecho a la custodia compartida, sobre todo de su hijo de once años, porque la hija está a punto de ser mayor de edad y no insiste, el padre, en reclamarla. Ante la jueza, el espectador, sin ningún tipo de información, solo puede identificarse con la representante judicial, que oye una y otra versión, de las abogadas y de los litigantes y no manifiesta ninguna inclinación hacia una u otro, posponiendo una semana la decisión. Que la situación es tensa y que ambos cumplen su papel de acuerdo con lo que les han dicho sus abogadas que hagan, es evidente, pero nada en claro se saca. La historia, así pues, arranca con una duda sobre los motivos de ella para poner tierra de por medio, de modo que él ni sepa siquiera dónde vive, para evitar ser localizada y que «suceda» algo que a ella parece helarle la sangre. Y sobre la necesaria presunción de inocencia respecto del comportamiento del padre, aunque, todo ha de decirse, la presencia física de este constituye, per se, un mensaje inequívoco, sobre todo frente a la fragilidad de ella: estamos em presencia de un hombrón enorme y de una mujer muy liviana, y entre ellos, un crío asustado que, como ha declarado por carta para la Justicia, se niega a vivir con su padre y prefiere seguir haciéndolo con la madre. Cuando llega la sentencia, que hace prevalecer la custodia compartida del título por encima de las diferencias conyugales, arranca una historia de terror psicológico que irá creciendo muy lentamente, porque el rencor profundo que alberga el hombre, y a pesar de sus muchos esfuerzos por no recurrir a la violencia que le estalla en los nudillos a cada momento, irá creciendo con cada secuencia y tendrá situaciones de verdadero pánico, para los protagonistas y para el espectador, como cuando él fuerza al hijo a revelarle el «piso secreto» donde viven, ambos hijos, con su madre, y se presenta ante ella sin más, y ello porque, según se deduce de la película, la mujer no lo ha denunciado nunca, sino que optó por la huida «a la francesa», lo cual, enseguida se advierte, es el origen del «fallo» judicial en el doble sentido de la palabra. La historia es la historia repetida ad náuseam de un hombre que ni comprende ni asume una relación de igualdad con su mujer, y que, amparado en su superioridad física, hace de ella algo así como la razón de ser de su pretendido dominio, por más que la mujer no esté dispuesta a aceptar semejante sinsentido. El hecho de que el niño, atemorizado de un modo con el que es imposible no empatizar, aunque ignoremos, cuando él se ve obligado a pasar algunos fines de semana con el padre, cuál es la razón del mismo, acceda, finalmente, a que se cumpla la orden judicial, inicia una larga serie de situaciones difíciles -tanto con su padre como de este con los suyos, porque los abuelos tratan a la criatura con infinito amor, pero acaban rebelándose contra su propio hijo, a quien acaban echando de casa por el modo como trata al nieto- que irán sucediéndose en un calculadísimo crescendo que nos lleva al clímax final que todos los lectores pueden imaginarse, dada la historia. No ha lugar pues a que el crítico chafe el final a los espectadores, porque el final está escrita desde la primera secuencia de la presencia de ambos ante el juez: él, con la serenidad del abusador aleccionado por su abogada; ella, paralizada por el terror de verse tan cerca del marido del que se quiere separar, aunque ni siquiera se haya tomado la molestia de denunciarlo en una comisaria y haya escogido lo peor: llevarse a sus hijos, como si fueran «exclusivamente» suyos, y desaparecer. A mitad de película todo está claro. Y cuando él, para poder acoger dignamente a su hijo se instala en casa de los padres y entre el equipaje que descarga advertimos, sin ningún énfasis del director con un plano corto, la presencia de una escopeta, ¿qué espectador no se imagina que por ahí ronda «lo peor», a pesar de que el padre le diga al hijo que saldrán a cazar, con total naturalidad? Quien haya visto Te doy mis ojos, de Iciar Bollaín, verá esta con la misma congoja y el terror indescriptible que supone exponerse, en este caso, a la violencia ciega de un hombre que se ha quedado, literalmente, sin vida y «marcado» socialmente como lo que es, un maltratador. En este sentido, la película va favoreciendo ese in crescendo del hombre que cree que tiene derecho a una segunda oportunidad, que se emperra en la cantinela de que «ha cambiado» pero quien, a las primeras de cambio, se deja llevar, cuando es contradicho o se le niega su expectativa de volver, por todos los demonios de la violencia. El hecho de que en todo momento ande el hijo de por medio acrecienta el terror de la situación, porque, al final, madre e hijo acaban convirtiéndose para él en una sola y única persona que le hacen la vida literalmente «imposible». Le ahorro al lector la descripción de los vivísimos momentos de terror que viven madre e hijo y, por supuesto, me niego a siquiera insinuar el destino final de los tres implicados en el conflicto. Lo que sí puede decirse con absoluta tranquilidad es que el grado de verismo de lo narrado es apabullante, y que los tres actores, los esposos y el hijo componen un trío que parece arrancado de una noticia de sucesos. ¡Magníficos, los tres! ¡Qué manera de hacernos vivir, para nuestro mal, lo que nadie se merece vivir, jamás! En la medida, además, en que no son parte del star system, los espectadores les damos un plus de credibilidad dramática que aún acentúa más el realismo de la película. Si existe el cine social, pongamos por caso el del célebre Ken Loach, esta película de Legrand lo es con total legitimidad y, además, nos ahorra el sermón políticamente correcto: las propias imágenes hablan por sí solas con una contundencia que mete espanto. Salimos del cine pensando que qué suerte que hayamos visto «solo» una película; pero lo cierto es que esos dramas insufribles los viven muchas mujeres cada día en cualquier rincón de nuestro país. No sé si lo que se necesita es «inteligencia emocional», pero lo que está claro es que lo que sí ha de cambiar es nuestra «educación sentimental», de modo que las relaciones de pareja o familiares no tengan los terribles referentes ¡y ascendentes! que aún siguen teniendo.

«Duelles» (“Instinto maternal”), de Olivier Masset-Depasse, o la mujer y el mal.

Un desafortunado título en español para una excelente película sobre el mal en toda su crudeza.

Título original: Duelles

Año: 2018

Duración: 97 min.

País:  Bélgica

Dirección: Olivier Masset-Depasse

Guion: Olivier Masset-Depasse, Giordano Gederlini

Música: Renaud Mayeur, Frédéric Vercheval

Fotografía: Hichame Alaouié

Reparto: Veerle Baetens, Anne Coesens, Mehdi Nebbou, Arieh Worthalter, Jules Lefebvres, Luan Adam.

Hace más de una semana me preguntaba qué película demoníaca o maldita iba a convertirse en la crítica 666, y la casualidad -que todo lo prevé- ha dispuesto que sea esta película belga de Olivier Masset-Depasse, un realizador belga que ya ha «atacado», con anterioridad, dos temas arduos: la inmigración ilegal y el terrorismo de ETA, en Ilegal y Santuario. Estamos, pues, ante quien se enfrenta con miedo a la desacralización del discurso feminista según el cual, a juzgar por las inexplicables afirmaciones de sus representantes, no existe la mujer «mala» o capaz de cometer actos perversos. Duelles, el título original que con su significado de “doble” o “dual” permite acercarnos mejor a la historia de eta película de terror psicológico con un final sorprendente sobre el que líbreme don Alfredo H. de decir ni mu, es una película llena de crudeza y dolor que acaba convirtiéndose en el detonante de un deterioro de la profunda amistad entre dos vecinas que las lleva al límite de la paranoia.

La estética de la película, que se acomoda a los años 60 en una urbanización de las afueras de una gran ciudad, remite inmediatamente al modelo usamericano de los suburbs y las típicas relaciones estrechas de vecindad, con fiestas compartidas, casas en las que se entra y se sale como en y de la propia, la amistad entre los niños de idéntica edad, etc.  Los coches aparcados a la entrada, las casas de dos pisos, e incluso el vestuario, todo está perfectamente seleccionado para que el espectador tenga la sensación de que está viendo una película usamericana de mediados de los 60, y digo yo que de ahí, y de la historia en la que enseguida entraré, los críticos han relacionado Duelles, con las películas de Hitchcock, Brian de Palma y otros. A mi modesto entender de simple aficionado, creo que, más allá de la estética, y atendiendo a la ética, o mejor dicha, a la ausencia o la perversión de la misma, esta película tendría un referente más ajustado en la película de Clouzot, Las diabólicas. Si allí las amigas se unían para cometer el mal; en la presente se enfrentan, pero con idéntico objetivo.

Pero adentrémonos en la historia para entender con claridad la situación terrorífica que el Realizador va dosificando a lo largo de la película con mano maestra, porque es capaz de mantenernos en la intriga más absoluta hasta el desenlace. Dos familias vecinas, amigas, comparten buena parte de su vida en un barrio residencial. El niño de una de las familias, la de la protagonizada por Veerle Baetens, protagonista de una película que me gustó particularmente, Alabama Monroe, de Felix Van Groeningen, es hiperalérgico a un buen número de alimentos, sobre todo cereales y frutos secos, razón por la que la madre, un punto histérica al respecto, está sobre él, controlándolo hasta la asfixia, mientras que la vecina, interpretada por la magnífica actriz habitual del Realizador, Anne Coesens, tiene una relación con el niño infinitamente más relajada, razón por la que enseguida advertimos lo cómodo que se siente con ella y lo tenso que se siente con su propia madre, tan controladora.

A poco de describirnos una relación tan armónica, un mal día, el hijo de la vecina relajada cae enfermo y se sube al alféizar de la ventana para tratar de rescatar al gato que se ha subido donde no debía y desde donde, ahora, no podía bajar. La vecina lo ve, le grita que se detenga y va corriendo a su casa, sube las escaleras y cuando abren la puerta del cuarto ven la ventana vacía, en perfecta elipsis de la muerte de la criatura.

A partir de ese momento, se inicia una guerra psicológica entre las dos mujeres, en primer lugar, y entre las familias, en segundo. Lo que hasta entonces había sido una relación fraternal adopta la aspereza de la desconfianza, de la atribución desmedida de responsabilidad a quien, según la madre del fallecido, podría haber evitado el fatal desenlace, y, finalmente, se llega al odio descarnado y exhibido de la manera más cruel posible.

En ese intercambio de sospechas y rencores, el hijo alérgico, harto de constatar que ambas mujeres disputan y se agreden psicológicamente sin piedad alguna por su culpa, decide subirse a la misma ventana desde la que cayó su amiguito y amenaza, en una escena llena de dramatismo, a ambas mujeres con lanzarse al vacío para acabar con una situación tan terrible. En última instancia, el chiquillo resbala y está a punto de caer, pero es salvado de ello por la madre rival, quien lo atrapa antes de que caiga hacia atrás.

Si bien ese incidente es el inicio de la «reconciliación» de ambas mujeres, no sucede lo mismo con el marido que ha perdido al hijo, quien no soporta la presencia del hijo de los vecinos, ni de estos, en su casa. Ello nos muestra, pues, que la terrible herida por la pérdida del hijo no entiende de sexos, a la hora de sufrirla. Es cierto que entre ambas mujeres parece que han recompuesto la amistad rota, pero incidentes como el de que el niño vaya a la cocina, durante una reunión de ambos matrimonios,  a ver qué puede «picar» antes de la cena, en vez de sus habituales barritas de zanahoria, contra el parecer de la madre, y volver con una asfixia provocada por el contenido de una bolsa de aperitivos, con la necesidad urgente de ser llevado a urgencias para que puedan administrarle los antihistamínicos o el pulmicort y el ventolín o la medicación que su caso exija, esa situación dispara de nuevo la paranoia de la madre respecto de que su amiga quiere acabar a toda costa con su hijo, en «justa» venganza por haber perdido el suyo…

Desde ese momento tan dramático, así pues, a la madre del niño vivo no habrá manera de quitarle de la cabeza que su amiga quiere acabar a toda costa con la vida de su hijo. La muerte de su suegra, que ella atribuye igualmente a la amiga dispara la tensión intramatrimonial y aleja a ambos cónyuges, porque el marido insiste en que su mujer necesita ayuda profesional para vencer esa paranoia que la está consumiendo. A pesar de que el espectador tiene más información que los personajes de la trama, en eso ha de alabarse la honestidad del Realizador, la evolución de la situación aún sufre unos giros que obligan al espectador a contemplar sobrecogido el terrible desenlace de la película: el mal en estado puro. Avisados quedan, los valientes que se atrevan con ella…

Por cierto, el niño alérgico es un actor como la copa de un pino. No siempre los niños actores acaban teniendo una carrera que consolide sus brillantes inicios, pero, o mucho me equivoco, o a este le aguarda un brillante futuro en el cine.

Los que tomamos la decisión de suscribirnos a Filmin tenemos la suerte de poder ver películas europeas de notable calidad que, de otro modo, jamás veríamos, dado el control usamericano de la distribución y exhibición en salas de las películas.