A medio camino
entre el falso culpable de Hitchcock y los mecanismos represores de las dictaduras
sudamericanas.
Título original: O Agente
Secreto
Año: 2025
Duración: 158 min.
País: Brasil
Dirección; Kleber Mendonça
Filho
Guion: Kleber Mendonça Filho
Reparto: Wagner Moura; Alice
Carvalho; Gabriel Leone; Udo Kier; Isabél Zuaa; Maria Fernanda Cândido;
Hermila Guedes; Thomas
Aquino; Tânia Maria; Suzy Lopes; Rubens Santos; João Vitor Silva; Buda Lira;
Roney Villela; Luciano
Chirolli; Igor de Araújo; Laura Lufési; Geane Albuquerque; Robério Diógenes; Jimmy
Astley; Italo Martins Santos.
Música: Mateus Alves, Tomaz
Alves de Souza
Fotografía: Evgenia
Alexandrova.
Lo primero que choca en la película de Mendonça es la escasísima distancia que hay entre el espectador y la escena, como si los personajes invadiesen nuestro espacio, la sala de cine, o nosotros el suyo. Casi nos «chocamos» con ellos, lo cual nos mete dentro de la película hasta sentir una estrechez que nos hace echar de menos la distancia necesaria que la cámara suele poner entre su objetivo y los personajes que actúan ante ella. Ello ocurre desde el prometedor comienzo: el protagonista, Marcelo, se detiene en una gasolinera, y cerca de ella hay un muerto cubierto con periódicos que ya lleva varios días, aunque la policía ha sido avisada. Un coche de la policía se para accidentalmente, pero los oficiales dicen que no tienen nada que ver con ese cadáver, pero sí se interesan por el protagonista, que reposta. Le hacen una inspección para poder mutarlo, pero, al no descubrir nada irregular, le piden directamente una ayuda para la sociedad de huérfanos del cuerpo. Mientras, el dueño de la gasolinera ha de ahuyentar a los perros que se acercan al cadáver como hienas. El protagonista alega no tener dineros y comparte con ellos sus cigarrillos, los pocos que le quedan. Todo esto en una estación cochambrosa, rodeada de un espacio arenoso polvoriento y bajo un sol que lo recalienta todo.
A
partir de aquí comienza la historia de un joven profesor que huye de las
autoridades y aspira, muerta su mujer, a
reunirse con su hijo, que vive con los abuelos. Una organización clandestina le
facilita un trabajo en el que entra en relación con un jefe de policía Euclides,
que actúa, de facto, como un mafiosillo local, bajo cuyo mando tiene dos
esbirros que actúan como su mano derecha armada.
La
película mezcla varias tramas que no dejan al espectador centrarse cómodamente
en la principal, porque no tardarán en aparecer otros dos «liquidadores» que lo
buscan para acabar con él, si bien van a recurrir, para encubrirse, a la
contratación de un sicario pagado con ninguna relación con el protagonista,
aunque quienes lo contratan sí que tienen una estrecha relación con Euclides. La
subtrama del nieto que quiere que su abuelo lo lleve a ver Tiburón, porque es
proyeccionista en un cine; la trama de la pierna humana que ha aparecido en el
boca de un tiburón capturado y de la que, en las crónicas de prensa, se narran
sus aventuras, grotescamente representadas como una «pierna del orden» que, amputada
y todo, tiene vida propia y se encarga de liarse a puntapiés con los
homosexuales que se reúnen en un jardín público por la noche, con escenas
explícitas que, mientras son leídas en el diario por una refugiada del lugar
donde viven junto al protagonista, provoca las risas de los oyentes; una pierna
que ha de ser rescatada de la morgue por los hombres de Euclides para arrojarla
al río y hacer desaparecer cualquier señal que la relacione con las fuerzas del
orden, conocidas en la zona, Recife, como pés-de-pato, con connotación
despectiva. La película es una prodigiosa recreación de los años 70 en la zona,
lo cual incluye no solo escenarios, sino rasgos del habla, vestuario y, sobre
todo, lo que impacta sobremanera en una secuencia bellísima: el desfile de
Carnaval en el que el protagonista se mete, bailando entre la alegre multitud,
para pasar al otro lado y perderse sin dejar rastro. A mí, particularmente,
esas secuencias poderosas y grabadas con la misma técnica que casi toda la
película, con la cámara pegada a los intérpretes y con angulares moderados que
permiten una visión casi panorámica, me
impresionaron tanto como la escena del baile en un espacio mínimo, con los
extras apelotonados, en una versión operística de Wozzeck, de Alban Berg. La
película, aunque rodada en formato digital, está construida de tal manera que
da la sensación de haber sido rodada en cámara de cine de 70mm, al estilo de
muchas producciones de los años 70, curiosamente, la época que se describe en
la película. A ello contribuye la disposición espacial de la puesta en escena,
que suele colocar a los personajes en un
extremo del plano y dejar libre buena parte del resto, en el que
aparecen objetos que contribuyen a «ampliar» el espacio circundante. Es un
efecto muy particular, ya digo, y algunos espectadores pueden resentirse de esa
«cercanía» que, por otro lado, nos permite identificarnos plenamente con el
protagonista y su drama: saberse perseguido por no sabe quién y saberse presa
que en cualquier momento puede ser abatida. De ahí la angustia por conseguir,
cuanto antes, la documentación falsa que le permita huir con su hijo.
La
patrona del refugio donde le instalan junto a otros refugiados que esperan el
momento de seguir su camino hacia un sitio seguro donde reanudar sus vidas es
uno de los grandes personajes de la película, por la naturalidad y su propia
historia personal. Todos, en el centro, tienen nombres falsos, y no dicen jamás
el suyo verdadero. Armando, es decir, Marcelo, sí que lo revela y ello acaba
arrastrando a sus colegas, en una escena en la que palpamos el miedo a la
dictadura que gobierna Brasil en aquellos años que se conocieron como «años de
plomo», y la propia aventura de protagonista es muestra elocuente de ello.
La
película, dejando de lado el realismo mágico de la pierna amputada que ataca a
los homosexuales en el parque, se ajusta a un realismo en el que no se evitan
escenas de una violencia muy notable y que la técnica de rodaje amplifica. Pudiera
entenderse que en ese despliegue sanguinolento pueda haber un punto de parodia,
como ocurre con la secuencia de Le Magnifique que aparece en un aparato
de televisión, una parodia de las películas de espías con Jean-Paul Belmondo;
pero nada nos distrae de la acongojante situación de un hombre perseguido, un
profesor universitario perseguido por el Régimen de terror militar de aquellos
años en Brasil. La película tiene buen cuidado en mostrarnos la realidad
cotidiana de aquellos años, de ahí que la celebración de carnaval, el jardín
donde los homosexuales vivían clandestinamente sus necesidades eróticas impacten
en la retina el espectador, del mismo modo que el enfrentamiento de clase que
se advierte entre una mujer del pueblo y una mujer de la clase alta,
responsable de la muerte del hijo de la primera; o el ambiente e la oficina
donde le consiguen un empleo y donde está a punto, el protagonista, de sufrir
el primer intento de eliminación, del que se libra, irónicamente, porque le
protegen Euclides y sus hombres, dos de los cuales acaban muriendo en su
defensa.
Pues
sí, podemos perfectamente hablar de inmersión en esta película sobre una
realidad que, aunque nos pille lejos, y casi a trasmano, es la misma que se da
en cada dictadura de las muchas que ha padecido el sur del continente
americano. La película tiene un giro de guion que conecta, al final, con el
tiempo presente. Tiene no poco de anticlímax, pero aflora un punto de vista que
ha sido, hasta entonces, ninguneado: el punto de vista del hijo que no pudo
seguir su vida en compañía del padre.
Las
interpretaciones son fundamentales, porque el protagonista, Wagner Moura, acaso
parco en su expresividad, pero muy intenso, encarna a la perfección el destino del
hombre perseguido por la fatalidad, de la que aspira a distanciarse antes de
que pueda acabar con su esperanza. Hay en su papel muchos registros, y a todos
ellos sabe adaptar la mirada, la sonrisa o la emoción poderosa a que obliga una
paternidad que apenas ha podido ejercer, dada la persecución que sufre. El
resto del reparto, especialmente la patrona del refugio, le dan la réplica a la
perfección, incluido Euclides, que tiene un sí sé qué de torrentiano, por
cierto. Udo Kier, un clásico de ciertas películas de terror, hace en esta película
su último trabajo, porque recién murió en noviembre del 25.
Ignoro
cuál será su suerte en los Oscar, pero lo que me parece claro es que Sirāt está
a años luz de esta historia potente y emocionante, además de técnicamente
impresionante.
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