sábado, 4 de enero de 2025

«Volveréis», de Jonás Trueba o la «generacionitis».

 

La proyección social de lo íntimo: una vieja comedia de los 80.

 

Título original: Volveréis

Año: 2024

Duración: 114 min.

País: España

Dirección: Jonás Trueba

Guion: Jonás Trueba, Itsaso Arana, Vito Sanz

Reparto: Itsaso Arana; Vito Sanz; Fernando Trueba; Jon Viar; Andrés Gertrudix; Ana Risueño; Francesco Carril; Isabelle Stoffel; Sigfrid Monleón.

Música: Iman Amar, Ana Valladares, Guillermo Briales

Fotografía: Santiago Racaj.

 

          Ignoro cuándo nació la alergia al cine español como una reacción extendida entre los espectadores españoles, pero es bien cierto que para muchos es una veta despreciable de la amplia mina de la producción cinematográfica mundial. Sé que ello afecta, sobre todo, a espectadores muy aficionados a los superhéroes, a las películas de supuesta acción trepidante y, en general, a cualquier artefacto que signifique una «distracción», como si el cine fuera algo así como el rincón del olvidar, gracias a las cien mil imágenes por segundo que parecen sucederse en esas sesiones.

          Primera película que veo del benjamín de los Trueba, y me pilla el final con sentimientos encontrados. Veo cierta naturalidad en su estupendo arranque, como si estuviera viendo películas de los 80, no sé, Tigres de papel, La línea del cielo, ambas de Colomo, Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón, de Almodóvar y Ópera prima, de Fernando Trueba, y, al mismo tiempo, percibo que la anécdota que da pie a la película apenas da para un mediometraje bien llevado. Se alarga en exceso, y eso supone una carga onerosa para el espectador, que no sale de esa «repetición» tan sutilmente detectada por el padre de la protagonista al sugerirle la lectura de La repetición, de Kierkegaard a su hija: «Es mejor celebrar las separaciones que las uniones», es, al parecer, un motto del padre, aunque él no lo recuerde o, ante la revelación separación real de su hija, medio se avergüence de que haya sido así.

El caso es que, siguiendo tal consejo, un par de cineastas llega a la conclusión de que se ha agotado su vida en común y que deberían oficializarlo ante su círculo familiar y de amistades con la celebración de una gran fiesta en la que se anuncie dicha separación. Toda su vida, además de acabar el montaje de una película que ha realizado ella, gira desde ese momento en torno a la fiesta y a la labor de pasmar a cuantos reciben la noticia como si se estuvieran quedando con ellos o haciéndolos objeto de una broma desconsiderada.

Los diferentes encuentros, presenciales o telefónicos, como el de la madre de él, que se echa a llorar y ha de ser calmada por su nuera, trata de darle carta de naturaleza a la extravagancia de la que parte la historia, lo que va creando una red de relaciones generacionales que solo en contadas ocasiones se aparta de esa cuarentena  escasa en la que se incluyen los personajes del relato. La película pasa por esas vidas con cierto aire de espontaneidad que solo advierto romperse en el visionado privado de lo que puede ser el montaje definitivo de la película que ella rueda, que no es otra que lo que ella y su pareja están viviendo. Abierto el turno de las críticas, lo mejor de la película es, sin duda, la intervención del crítico, interpretado por Jon Viar, cuando habla del carácter circular (esto es, umbilical) de la novela y su escasa capacidad para «fluir», para convertirse en una travesía en que se habla de la existencia. Se escoge un momento, el de la ruptura y la consiguiente fiesta de celebración, y de ahí no salimos. Variante no deseada de El día de la marmota, de Harold Ramis, la película aspira a referencias de otro orden, como la Nouvelle Vague o la sorprendente (por no decir irreverente…) aparición de un Tarot cuyas cartas son planos de las películas de Bergman. Dispuestas en tres montones, pasado, presente y futuro, habrían de permitir a quien las eche conocer esa línea existencial que tales planos perfilan… Como chascarrillo tiene un pase, pero entre cuarentones, por cinéfilos que sean…

Esos desniveles se compensan por la excelente actuación de Vito Sanz, coguionista, como Itsaso Arana, lo que da pie a pensar en que la técnica de la improvisación habrá nutrido las páginas del guion, quien comienza algo inseguro, pero no tarda en conseguir un dominio del personaje que, como le pasa a ella, Itsaso Arana, se debatirá constantemente entre la aceptación del presente y la idealización del pasado, de tal manera que, en el desenlace, no puede estar muy seguro el espectador de qué están celebrando, si la separación o la renovación de su unión, como es tradicional en algunas parejas que celebran la reiteración (la «repetición» que no existe, al decir de Kierkegaard) de sus votos matrimoniales, fiestorro incluido.

Lo llamativo del estancamiento de la película es que solo admite un flujo que aparece y desaparece de forma guadianesca: la inseguridad que se apodera de ambos a medida que se acerca la fecha de la celebración, y que los lleva incluso a suspenderla, a tal grado de inseguridad en la decisión inicial llega el hecho de comunicarles a los demás el hecho y organizar la fiesta correspondiente, en la que ambas partes de la pareja aparecen vestidos tan elegantemente que inducen a confusión. No estamos aquí ante algo tan ridículo fílmicamente como aquella boda consigo misma de Candela Peña en La boda de Rosa, de Icíar Bollaín, pero se roza.

La película, rodada en Madrid, sí que aprovecha el ejemplo neoyorquino de Woody Allen (la imitación del cual se percibe como un eco atenuado) y consigue auténticos planos espectaculares de la ciudad, del mismo modo que resulta muy «auténtica» la vida comunitaria en la finca en que viven los protagonistas.

Podría, de no haberse empecinado en la circularidad que denunciaba el crítico dentro de la película, haber construido una interesante reflexión sobre las postrimerías del amor, pero la «sublime decisión» opaca el desarrollo de ambos protagonistas y las razones, seguro que interesantes, de su desamor, sobre el que seguimos tan ayunos cuando acaba la película que cuando empieza… Los mimbres están, quién lo duda, y hasta la breve intervención de Fernando Trueba tiene un aire a lo Fernando Fernán Gómez que resulta muy convincente.  Aguardo la próxima con interés.

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